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La alegoría de la locura conduciendo el carro del amor

Por: Milene Fernandez

La Gran Época, Francia

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Detalle de “Folie conduisant le char d’Amour”, 1848, Giuseppe Bezzuoli (1784-1855) Carboncillo, lavado gris, resaltado en blanco, cuatro hojas de papel marrón claro de aproximadamente 3,35 m por 4,80 m. (Foto: Christie’s)

“All you need is love” (Todo lo que necesitas es amor),  dice la canción, pero ¿qué sucede cuando las riendas del amor están en las garras de la locura? Humanos, no nos faltan defectos y, por lo tanto, necesitamos se nos recuerde seguir por el buen camino. Necesitamos aliento para mantener las riendas de nuestra propia conciencia. Quizás es lo que el marqués Carlo Gerini tenía en mente la primavera de 1848, cuando encargó a Giuseppe Bezzuoli (1784-1855) que pintara la alegoría de Locura conduciendo el carro del Amor en el techo de su palacio en Florencia.

“La pintura puede haber sido el encargo para una boda”, dijo Furio Rinaldi, especialista de antiguos maestros del dibujo de Christie’s en Nueva York.

El monumental cartón diseñado por Bezzuoli como preparación para el fresco se vendió en subasta el 30 de enero en Christie’s Old Master & British Drawings por 275 mil dólares, su precio estimado era entre 50 y 80 mil dólares.

Representa al alado dios romano del amor, Cupido, llevando su carruaje sin que las flechas sean visibles. Sostiene su arco, pero no se muestra la cuerda. Las partes faltantes de sus atributos pueden indicar que debe recuperarlas antes de poder alcanzar su objetivo. Pasivamente monta en su carro tomado por una mujer que personifica la locura. Con una expresión perturbada en sus ojos, Locura está al frente del carro con un látigo en una mano y las riendas en la otra. Medio desnuda, con el pelo flotando al viento, azota a los cuatro mensajeros, asustados al no reconocer al dueño del carro.

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Detalle de “Folie conduisant le char d’Amour”, 1848, dibujo de Giuseppe Bezzuoli (1784-1855). Carboncillo, lavado gris, resaltado en blanco, cuatro hojas de papel marrón claro. (Foto: Christie’s)

Cupido, o Amor, surca tranquilamente las nubes. Impregnado de una dulce expresión, cegado por la ilusión, sin saber quién conduce su carroza. Sin embargo, no todo está perdido, porque Amor mira a un querubín volando que lleva un anillo. Representando la inocencia, el querubín que se cierne sobre el amor se presenta en marcado contraste con la confusión de la locura y los caballos fugitivos.

La clave de esta alegoría radica en la forma de mostrar el contraste entre los sentimientos de amor puro y la lujuria desenfrenada. El contraste visual entre los personajes hace que sea fácil imaginar las consecuencias de las dos opciones: la restricción consciente que conduce a una unión responsable o el abandono inconsciente que conduce a la locura. Pero el dibujo no solo ilustra esta dicotomía. El aspecto maravilloso de la alegoría radica en la forma en que resume la complejidad de la lucha psíquica interna entre las fuerzas opuestas, en diferentes niveles. Cada vez que miramos este dibujo, puede interpretarse de manera diferente según el estado de ánimo del espectador.

“Lo que realmente me gusta de putto, el querubín, es que está contra el negro, y la luz viene del halo de Amor, que es realmente hermoso”, dijo Rinaldi en una recepción privada en Christie’s en el Rockefeller Center.

Cerrando un vacío en la historia

Locura manejando el carro del Amor llegó a Christie’s sin preparación. Cada pequeño descubrimiento hecho en el proceso de investigación de Rinaldi durante casi un año fue sorprendente. Había una vaga pista de que el dibujo podría haber sido de Bezzuoli, pero el nombre se perdió y finalmente se atribuyó a Filippo Brunelleschi (1377-1446), explica Rinaldi. Así que durante un tiempo no sabíamos si el dibujo se había hecho para el fresco.

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“Folie conduisant le char d’Amour”, 1848, Giuseppe Bezzuoli (1784-1855), fresco del techo del Palacio Gerini en Florencia, Italia. Marqués Pietro Paolo Cavalletti. (Foto: Christie’s)

Afortunadamente, una pintura similar en la Galería de Arte Moderno del Palazzo Pitti en Florencia, que fue la pintura preparatoria de Bezzuoli (estudio de color) para el mismo fresco del techo del palacio privado Gerini, permitió a Rinaldi vincular y asegurar la autoría. La belleza del trabajo de Rinaldi es descubrir la historia de una obra de arte olvidada. “En cierto modo, le devuelves la vida”.

 El fresco del techo se ejecutó en 1848 y Bezzuoli murió unos años después. Rinaldi cree que el cartón probablemente se quedó un tiempo en el taller. El número 96 aún está escrito en una etiqueta colocada a la altura de los ojos, justo debajo del ala de Cupido, probablemente un número de serie del taller de Bezzuoli.

Esta pequeña etiqueta es un detalle intrigante. Con pequeñas manchas de humedad en el papel que muestran los signos del tiempo, la etiqueta añade un toque más a la pieza.

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Detalle de “Folie conduisant le char d’Amour”, 1848, dibujo de Giuseppe Bezzuoli (1784-1855). (Foto: Milene Fernandez / La Gran Época)

Un diseño extremadamente raro

Es muy raro que un cartón tan grande (unos 3.35 m x 4.80 m) se haya conservado tan bien. Rinaldi lo llamó “un milagro, porque los cartones preparatorios suelen ser lo primero que se destruye en el proceso de diseño”, dijo.

Se utilizan para transferir el dibujo a una superficie de pintura (lienzo, panel o pared) y se dañan en el proceso. Pero en este caso, Locura conduciendo el carro del Amor es una caricatura y un dibujo terminado. No tiene incisiones de herramientas filosas, ni perforaciones para métodos de transferencia de trazo. En su lugar, probablemente se utilizó un papel calca semitransparente para copiar el dibujo, que luego pudo transferirse al techo.

La producción de cartón alcanzó su punto álgido en el siglo XIX, con un acabado muy superior al del cartón renacentista del siglo XVI. Este cartón de Bezzuoli “le da una idea, aunque sea de otro siglo, de cómo debían ser los cartones de los grandes maestros… aunque sobrevivieron muy pocos”, dijo Rinaldi.

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Furio Rinaldi, especialista en dibujo de antiguos maestros de Christie’s, Nueva York. (Foto: Christie’s)

Rinaldi ha visto muy pocos dibujos de tal importancia. Menciona el dibujo de Giulio Romano (1499-1546) para el martirio de Saint Etienne en los museos del Vaticano y un gran dibujo de Federico Barocci (1535-1612) con La Última Cena de los Uffizi,  como únicos ejemplos comparables.

“La composición está inspirada en los viejos maestros y se comunica con ellos, pero al mismo tiempo los traduce en algo completamente nuevo y diferente”, dijo Rinaldi. “Bezzuoli es uno de los principales representantes del movimiento romántico italiano, pero también del neoclasicismo, en su amor por los grandes maestros del siglo XVII”. Su obra a menudo se ha comparado con los maestros franceses y, según se dice fue amigo de Jean-Auguste-Dominique Ingres (1780-1867). Esta amistad no se ha documentado, pero Rinaldi cree que es muy probable porque Bezzuoli fue profesor en la Academia de Bellas Artes de Florencia cuando Ingres visitó esa ciudad.

Dramatiza un cambio de estado mental

Se pueden distinguir varios pentimenti (arrepentimientos del pintor, marcadas modificaciones en la composición): en las ruedas del carro, en los cascos de los caballos, en los brazos de Locura, etc. “Todas estas diferencias de posicionamiento crean esta dinámica en la obra, que es bastante increíble. Casi parece que [los personajes] se están moviendo”, dijo Rinaldi.

La composición del dibujo cambió ligeramente a medida que se desarrollaba, en el estudio del color de la pintura (el modelo para el fresco) que se exhibía en el Palacio Pitti y la pintura final del techo de la residencia Gerini. Esta es probablemente otra razón por la que este dibujo no fue destruido. Quizás Bezzuoli quiso conservar la composición original como referencia o porque la consideraba como un dibujo acabado que podría ser una obra de arte en sí misma.

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“Folie conduisant le char d’Amour” de Giuseppe Bezzuoli. Pintura al óleo. Gallery degli Uffizi – Galería de Arte Moderno, Palazzo Pitti, Florencia, Italia. (Biblioteca fotográfica de DeAgostini / Bardazzi / Bridgeman, Christie’s)

En ambas, Amor sigue sentado en la parte trasera del carro, pero en las pinturas, es aún más pasivo. Mientras su brazo izquierdo descansa en el muslo de Locura, su brazo derecho sostiene su arco, todavía sin cuerda, de una manera más relajada sobre sus piernas. De nuevo, no tiene flechas, y su aljaba completamente ausente. Pero siempre mira al querubín que lleva los anillos, que representa la esperanza y el bien.

¿Quién no ha luchado con el amor frente al egoísmo, o la razón frente a la pasión? El significado de la Locura que conduce el carro de amor es inducido por cada personaje y se le atribuyen las diferentes fuerzas emocionales y psíquicas. Esta alegoría está representada en una forma particularmente digna en este dibujo gigantesco, de extrema rareza.

Artículo original en francés: http://www.epochtimes.fr/lallegorie-de-folie-conduisant-le-char-damour-226885.html

Traducido por: Lucía Aragón

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Zhang Guo Lao y Heyoka, dos personajes que actuaban al contrario

¿Qué significa progresar o retroceder en la vida? En algunas culturas antiguas, muy distantes entre sí, hubo personajes que tomaron esta reflexión muy en serio, hasta el punto de que literalmente se movieron al revés para recordar a la gente que reconsiderara su cosmovisión.

Por: Tara MacIsaac

La Gran Época, EE.UU.

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Una representación de Zhang Guo Lao montando su burro al revés. (Yeuan Fang / Epoch Times) Al fondo: Un campamento Lakota. (John C. Grabill vía Shutterstock)

Zhang Guo Lao

Zhang Guo Lao, un ermitaño taoísta de la dinastía Tang (618-907 d.C.) montó su burro al revés para mostrarle a la gente que su forma de actuar era en realidad incorrecta y tratar de despertarlos. Para este sabio de la antigua China, lo que muchas personas creen que es avanzar, lograr bienestar y cumplir varios deseos, en realidad es retroceder, alejándose de lo que los humanos realmente deberían ser. Zhang quería sugerir que cuando se asume una visión espiritual y verdadera en la vida, los principios a menudo se invierten.

Aunque Zhang es un personaje legendario en China, uno de los ocho inmortales taoístas, las fuentes históricas sugieren que realmente existió.

Se dice que los hombres poderosos trataron de obtener de él el secreto de la inmortalidad que seguramente debía proteger, ya que se creía que había nacido alrededor del 2200 a.C. Nunca se reunió con ninguno de ellos para revelar su secreto, pero acordó encontrarse con un emperador cuyo corazón fuera sincero y buscara la sabiduría del Tao.

Se narra otro episodio relacionado con Zhang Guolao y su movimiento en reversa. Un día fue convocado al palacio imperial para mostrar que su burro estaba retrocediendo. El animal caminó con tanta facilidad que el emperador quiso recompensarlo con vino, pero de inmediato el burro se convirtió en papel. Zhang explicó que el burro de papel estaba animado por la magia, pero el vino le había devuelto su forma original.

Él dijo: “Lo que es verdadero permanece, lo que es falso no durará”.

Heyoka

Del mismo modo, entre los nativos americanos Lakota, había un personaje conocido como heyoka que montaba un caballo hacia atrás, vestía su ropa al revés y generalmente hacía todo al contrario.

En realidad, heyoka no era una sola persona, sino varias personas reales elegidas para interpretar este rol espiritual en la comunidad.

El Dr. Steven Mizrak, profesor del Departamento de Estudios Globales y Socioculturales de la Universidad Internacional de Florida, dijo en el ensayo titulado Thunderbird and the Trickster (Pájaro amenazante y el embaucador, ndt): “Los heyokas, o payasos sagrados, eran generalmente pocos, pero se encontraban en cada clan Lakota. Los heyoka representaban lo opuesto, hablaban y, a menudo caminaban hacia atrás. Actuaban ridículamente, obscenos y cómicos, especialmente durante las ceremonias sagradas. Se creía que no conocían el miedo y no percibían el dolor y podían sacar un trozo de carne de una olla de agua hirviendo.”

Se pensaba que los heyoka iban más allá del mundo humano y estaban en contacto con lo divino. Sus acciones, por el contrario, tenían el objetivo de sorprender a las personas para que evaluaran sus ideas preconcebidas. Mizrak dijo: “En su cultura, los heyoka solían hacer bromas a la gente para no avergonzarlos o hacerlos sentir estúpidos, y mostrarles maneras de ser más inteligentes.”

“Cada vez que los heyokas interrumpían la solemnidad de una ceremonia, la gente tomaba esta interrupción como advertencia para ver más allá de la mera ejecución del ritual y profundizar en los misterios de lo sagrado.    

Artículo en inglés: Similar Backward Characters in Ancient Chinese, Native American Cultures

Traducción de: Lucía Aragón

 

La navidad en el país de Macondo

Por: Sandra Rodríguez

La Gran Época, México

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Navidad en Colombia, una época de tradiciones. (Foto: Caracol Radio)

¡Llegó diciembre con su alegría, mes de parranda y animación! Reza una antigua canción que todo colombiano sin importar la región, edad o estrato social reconoce y canta de por vida al llegar las fiestas de fin de año. Y es que diciembre en el país del Divino Niño es pura alegría y parranda.

Los ánimos se avivan desde noviembre y no es raro encontrar las nuevas tendencias de decoración navideña en los almacenes desde septiembre. Sin embargo, la fiesta decembrina comienza oficialmente con sus delicias y tradiciones el 7 de diciembre, el muy famoso “día de las velitas”.

Esta fiesta es una de las favoritas de los niños y de las más tradicionales en todo el territorio nacional. En ese día se prenden velas y faroles de papel decorativos y se engalanan con ellos calles, puertas, ventanas y balcones. Según la historia más tradicional del origen de la fiesta se afirma que se celebra a la Virgen María y al Ángel que le anuncia que será la madre del Hijo de Dios.

La belleza de esta fiesta no tiene par y en algunas regiones se hacen concursos de faroles o de las calles más lindas; todo un festín para los ojos y el alma. Naturalmente la fiesta no está completa sin los manjares típicos de cada región, pero siempre habrá una combinación que es infaltable en todo hogar; la natilla y el buñuelo.

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Natilla y buñuelos colombianos. (Foto: Pintarest)

La natilla es un postre hecho a base de maicena, canela, clavos y leche que puede tener variaciones según dicte la receta de la abuela. Esta puede ir acompañada de dulce o jalea de mora o con arequipe (dulce de leche) o tener trozos de coco y un toque de aguardiente. Los buñuelos por su parte son bolitas de harina de maíz con queso costeño, un queso duro y salado que se fríe en abundante aceite y equilibra la dulce natilla, acompañados siempre por el famoso vino espumante de manzana o un vino tinto.

Las colaciones son unas galletas especiales que no pueden faltar y que son junto con el panqué navideño de vino y frutas confitadas el mejor regalo al visitar un amigo o familiar en estas fechas. Nadie los hace en su horno, la tradicional casa Ramo es la responsable de surtir al país entero con este par de delicias que adornan la típica mesa navideña colombiana, por eso no es un misterio que al llegar Navidad sea imposible encontrarlos en el supermercado.

Pero no solo se trata de comer golosinas y tomarse un “vinito”, la música en Colombia es fundamental. Muchas personas con el buen visto de sus vecinos ponen sus equipos de sonido de última tecnología a todo volumen, pero lo que no se perdona es que no se pongan los clásicos de siempre que nos recuerdan que estamos en diciembre, canciones que datan de los años 30s y 40s, además de los típicos villancicos de origen español. Muchos hacen fiesta y bailan entre familia y amigos, no sin antes haber rezado un poco.

Desde el 16 de diciembre hasta la noche del 24 se reza en casi todos los hogares y en las iglesias “la Novena de Aguinaldos”. Durante nueve noches los colombianos se reúnen en casa o en la parroquia del barrio con sus seres queridos a rezar un rato y a recordar en nueve cortos relatos la historia de la concepción y nacimiento de Jesús. Esta fiesta es la más adorada por los niños no sólo por lo bello de los relatos sino porque no hay novena sin pesebre y luces.

El pesebre es una tradición que se niega a desaparecer y hay lugares donde se construyen pesebres enormes que tienen vida propia y evocan a Belén. Sin embargo, en muchos hogares se hace el pesebre en familia y los niños se emocionan al ver reflejado el escenario de la navidad.

Llegado el 24 de diciembre la música, la comida, la familia y la novena se unen en una celebración hogareña que hacen el disfrute de abuelos y nietos. Se reza el último capítulo de la novena en el que nace el niño Jesús al borde de la media noche y se pone a este en su cuna de paja.

A veces se esconde al niño Jesús y se les pide a los niños que lo busquen para que por fin pueda estar en su cunita junto con sus padres y obviamente el ganador gana su premio por su importante misión.

A las doce todos se abrazan y se desean la feliz navidad y se abren los regalos que el mismo Niño Dios ha traído con él. Después viene la portentosa cena que varía según cada región: ajiaco, tamal, cerdo, hayaca y demás, y para ayudar a la digestión un poco de música y de baile para celebrar.

Al día siguiente muchos se levantan tarde luego del festín y hacen un desayuno enorme en casa o asisten a un asado (parrillada) organizado por familia o amigos para pasar la resaca o el “guayabo”  y seguir celebrando, calentando motores para recibir el próximo año con toda la buena energía y el amor de los que más aman.

5 cosas de la película “Coco” que solo entenderás si eres de México (y que le darán mucho más sentido si no lo eres)

5 cosas de la película “Coco” que solo entenderás si eres de México (y que le darán mucho más sentido si no lo eres)

Es la película animada más taquillera en la historia de México.

“Coco” cautivó al público mexicano al ser la primera película producida por Disney y Pixar que habla sobre una de las tradiciones más entrañables de ese país: el Día de Muertos.

Imagen de la película "Coco" de Disney Pixar (Foto: Disney Pixar)
“Coco” llegó a Estados Unidos un mes después de haber triunfado en México. (Foto: Disney Pixar)

El director de la cinta, Lee Unkrich, confesó recientemente que no sabía mucho de esta festividad ni de las tradiciones, lo cual le causaba cierto temor.

“La comunidad latina dice lo que le ofende y tiene opiniones fuertes… Como no soy latino, sabía que el proyecto iba a estar bajo la lupa“, dijo al diario The New York Times.

Seis años de producción finalizaron con la puesta en cartelera de “Coco”, una cinta que ha cautivado a México por la cercanía de su historia y el nivel de detalle a la cultura.

Aquí te presentamos 5 guiños que seguramente fuera de México pueden pasar desapercibidos.

1. El xoloitzcuintle

Un ejemplar de xoloitzcuintle
Los xoloitzcuintles son muy raros de ver en México ya que hay pocos ejemplares, pero han vivido en México durante siglos.

El perro Dante acompaña al niño protagonista, Miguel, en su viaje al más allá, pero no se trata de un perro cualquiera.

Es un xoloitzcuintle, un perro endémico de México que se caracteriza por su carencia de pelo y piel oscura, cuyo nombre e historia tienen su origen en la época prehispánica.

En la lengua náhuatl, la de los mexicas (que siguieron a los aztecas), el dios Xólotl era una deidad relacionada con la muerte, mientras que el vocablo “itzcuintli” significa perro: el perro de Xólotl.

Imagen de la película
Un perro es el compañero más fiel de Miguel en su aventura por el inframundo. (Foto: Disney Pixar)

Los mexicas tenían la creencia de que el xoloitzcuintle era un guía hacia el Mictlán, el mundo de los muertos, al cual se llegaba cruzando un río.

Así que no es casualidad que en “Coco” aparezca Dante, el perro xoloitzcuintle cumpliendo su ancestral labor al lado del pequeño Miguel al tratar de llevarlo por buen camino.

2. Los alebrijes

Un desfile de alebrijes
Tan pequeños que se pueden llevar en la mano, o gigantes que se mueven con ruedas, los alebrijes tienen múltiples tamaños y formas.

Los colores de la película llevan a los espectadores a un ambiente muy pintoresco, como el de los pequeños pueblos de México.

Pero en medio de la cinta aparecen los colores chillones de los alebrijes.

Son unas figuras de animales fantásticos, elaboradas a base de cartón, que tradicionalmente se elaboran en el sureño estado de Oaxaca.

La historia dice que los primeros alebrijes fueron producto de una pesadilla del artista Pedro Linares, quien a sus 30 años cayó enfermo.

Soñó que caminaba por un bosque en el que animales híbridos y coloridos se aparecieron ante él. Eran los alebrijes, como ellos mismos le dijeron.

Una vez recuperado, Linares comenzó a elaborarlos y pronto se popularizaron. Ahora llegaron hasta la pantalla grande en la película de Disney y Pixar.

3. El papel picado

Papel picado en una calle
El papel picado tiene su origen en el estado de Puebla, pero se puede ver en todo el país durante las festividades locales.

Para muchos mexicanos, la introducción de “Coco” es un gran tributo a una manualidad: el papel picado.

Esta manualidad consiste en pliegues de papel finamente cortados que muestran figuras y mensajes acordes a la celebración que adornen.

Tradicionalmente se usan en los altares del Día de Muertos, pero tambiénadornan las calles en las festividades locales, en las fiestas de Independencia y en las celebraciones navideñas.

Los animadores de “Coco” se esmeraron para contar la historia de la familia Rivera a través de estos rectángulos de papel tan tradicionales de México.

4. La chancla

Los realizadores de “Coco” llevaron esta simpática situación (claro, simpática para quien no recibe el golpe) a la película, con mamá Elena blandiendo la chancla ante Miguel y ante quien se atreva a desafiarla.

El crítico de cine Anthony Oliver Scott conversó con los creadores de “Coco”, incluido el director Lee Unkrich, quienes estaban preocupados por ofrecer una historia fiel a las costumbres mexicanas.

Image captionMiguel es un niño que vive una aventura en medio de la celebración del Día de Muertos. (Foto: Disney/Pixar)
Miguel, personaje central de la película
Miguel es un niño que vive una aventura en medio de la celebración del Día de Muertos. (Foto: Disney/Pixar)

Cuenta que los escritores de la película habían pensado en que “mamá Elena” usara una cuchara.

Pero los consejeros “opinaron que eso no se sentía que correspondía con la realidad, así que Unkrich suavizó al personaje y cambió su objeto: en lugar de cuchara, una ‘chancla’”, escribió Scott en The New York Times.

5. El cempasúchil y los inframundos

Un altar de muertos en México
La flor de cempasúchil es la reina en los altares mexicanos del Día de Muertos.

No es casualidad que el camino al mundo de los muertos en “Coco” sea de color amarillo.

La flor de cempasúchil (tagetes erectaes conocida en México desde la época prehispánica y es la que adorna el Día de Muertos, el 2 de noviembre.

Se coloca en los altares y sobre las tumbas en los cementerios, además de que marca el camino que deben seguir los fallecidos desde el más allá.

En la película de Pixar también es así, con un largo puente cubierto de pétalos de cempasúchil por el que camina Miguel y Dante.

Pero, además, en un momento aparecen varios puentes más que desembocan en pirámides prehispánicas.

Esta es una referencia a los nueve niveles del Mictlán, o tierra de los muertos, para los cuales había varios caminos que debían tomar los muertos al viajar al inframundo.

Miguel
Miguel es un niño que vive una aventura en medio de la celebración del Día de Muertos.

Otros datos curiosos:

El nombre de la película: “Coco” surge del diminutivo que usan en México a las mujeres llamadas Socorro.

Viva, en Brasil: la cinta tuvo que cambiar de nombre en Brasil, donde se conoce como “Viva”, pues cocô en portugués significa mierda.

Santa Cecilia: el pueblo de la película está inspirado en Santa Fe de la Laguna, Michoacán, una localidad de la región indígena purépecha del oeste de México.

Caras conocidas: en la película aparecen fugazmente varios personajes famosos de México, como los actores Mario Moreno “Cantinflas”, María Félix, el luchador El Santo, así como el cantante Jorge Negrete.

Christian Dior, diseñador de moda de ensueño

Encuentro con Florence Müller, curadora de la exposición

Por Michal Bleibtreu Neeman

La Gran Época, Francia

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© Emma Summerton para «Christian Dior Couturier du Rêve »

Hasta el 7 de enero de 2018, el Museo de Artes Decorativas de París celebra el LXX aniversario de la creación de la Casa Christian Dior con la exposición retrospectiva Christian Dior, couturier du rêve.

La exposición incluye más de 300 vestidos diseñados desde 1947 hasta la actualidad por el propio Christian Dior, así como los de seis sucesores: Yves Saint Laurent, Marc Bohan, Gianfranco Ferré, John Galiano, Raf Simons y la última Maria Grazia Chiuri, que han sabido perpetuar el espíritu del fundador en su estilo internacional de lujo y alta costura.

Florence Müller, curadora de la exposición y directora del Departamento de moda y textiles en el Denver Art Museum, cuenta la historia de las pasiones del modisto de lujo a La Gran Época.

¿Se podría decir que Christian Dior decidió volver a la lujosa femineidad del siglo XVII, a Versalles, y al Trianon?

¡Por supuesto! Hay algo de nostalgia en el arte de vivir que desapareció durante la guerra. La guerra hizo a países enteros extremadamente pobres. Nos hemos acostumbrado a vivir de una manera más sencilla y a veces muy modesta, y Christian Dior tiene la nostalgia de un estilo de vida muy sofisticado en un ambiente muy bello, ropa de acuerdo con este estilo, y que hace una apología de la femineidad. Hay un look completamente retro en el estilo Dior. Es algo que él reivindica.

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Roger Viollet, colección otoño-invierno vestido de noche de alta costura brillante en 1955 (línea Y), presentada en el Museo de Artes Decorativas en la inauguración de la exposición “Grandes ebanistas y carpinteros de París del siglo XVIII”, Pavillon de Marsan, París, 30 de noviembre de 1955 © Roger-Viollet

¿El baile entra en esta categoría?

Christian Dior dijo literalmente querer que las mujeres parezcan princesas. Maria Grazia Chiuri, cuando hizo su desfile sobre el tema de un baile de cuento de hadas, se situó completamente en la línea de Christian Dior con la idea de hacer soñar a la gente, de ahí el título de la exposición. Para la casa Dior el ensueño es muy importante. Le encantaba escapar de la realidad y construir un mundo completamente maravilloso y hacer soñar a la gente después de los horribles tiempos de guerra. Quería poner de moda tiempos de ensueño. Llamó a su estudio de diseño “la sede de los sueños”. Se vio a sí mismo como el creador de ensueños.

Hay una idea de femineidad exacerbada transformada por la prenda. La prenda está ahí para hacer a la mujer más hermosa de lo que es al natural. Es la idea de transfigurar la realidad y darle una dimensión onírica.

¿Esto explica su éxito entre las actrices y estrellas?

Sí, por supuesto. Lo hizo de inmediato con las estrellas de Hollywood. Era exactamente su propósito satisfacer la necesidad de las estrellas de Hollywood de parecer más allá de la realidad. Las estrellas de los años 50 y 60, son super mujeres que debían dar la impresión de hadas. Debían dar la impresión de no estar sujetas a la misma realidad que las mujeres en la vida cotidiana. Él estaba en la misma línea.

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Mark Shaw, Elizabeth Taylor en traje ‘Noche en Río’ colección de alta costura primavera-verano 1961, Slim Look © Mark Shaw / mptvimages.com

Christian Dior era un apasionado del arte y los jardines, ¿cómo se manifestaron estas pasiones en sus creaciones?

Christian Dior diseñaba sus jardines, ayudaba a sus jardineros, le encantaba la jardinería. Uno de los principales elementos decorativos de la casa, en un desfile, era la gigantesca escultura floral sobre la chimenea del salón de la avenida Montaigne. Vemos fotos donde participa en la elaboración de esta enorme composición floral.

De niño, los catálogos de venta de semillas de flores eran su lectura favorita. Era un apasionado de los jardines. Él y su madre decoraron los jardines de su casa de infancia. Era una pasión que compartía con su madre.

El “New look” se basa en los dibujos de una silueta de flor y el mundo floral, en las curvas, los pétalos de una flor, es el concepto de la mujer tan grácil como una flor. A diferencia de la moda guerrera, con ángulos rectos, muy rectangular, geométrica, muy masculina, él le devuelve el reinado de la curvatura, la flexibilidad, el movimiento, de todo lo que se refiere a los jardines, las flores, que fueron también su primera pasión en la vida.

Christian Dior se ha convertido en sinónimo de elegancia a la francesa. ¿Qué es exactamente la elegancia francesa desde un punto de vista histórico?

De hecho, la elegancia francesa se sitúa en una perspectiva histórica porque fue en Francia donde se inventó el tema de la moda – en torno a la vida en los castillos de los reyes y el desarrollo del estilo de vida francés como se imaginaba en Versalles – por Luis XIV y también durante el siglo XVIII. Cabe recordar que en aquella época todas las cortes europeas se inspiraban en Versalles, en su arquitectura, decoración de interiores y estilo de vida.

Efectivamente, la elegancia a la francesa está a la vanguardia en esta historia y Francia da el ejemplo, marca la pauta, y el resto del mundo la sigue hasta ahora.

Durante la guerra hubo una especie de vacío, los modistos franceses ya no podían actuar en todo el mundo y los compradores no podían venir a París, de cierta manera se volvieron autónomos. Christian Dior llama la atención de vuelta a París y en que la moda más interesante se creaba en París.

Se puede decir que la elegancia francesa se encuentra a la medida, en algo que no es ni demasiado extravagante ni demasiado clásico. Un equilibrio entre dos formas de vestir, entre lo espectacular y lo conservador. Algo entre dos, ni demasiado ni suficiente.

Ahora que es curadora del departamento de moda y textiles del Denver Art Museum, ¿va a organizar una exposición de Christian Dior en los Estados Unidos?

Sí, efectivamente, en noviembre de 2018 organizo la primera retrospectiva de Christian Dior en Estados Unidos.

Versión original en francés: http://www.epochtimes.fr/christian-dior-couturier-reve-76004.html

Traducido del francés al español por: Lucía Aragón

Adaptación del “Diario de Ana Frank” en historieta

El libro se publicará a finales de este año en América Latina

Por:  AFP

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El diario de Ana Frank en comic se presentó en una librería en París, el 18 de septiembre de 2017. (Foto: AFP/ Stringer)

El “Diario de Ana Frank” se adaptará por primera vez en historieta, de acuerdo con el Fondo Ana Frank de Basilea, y se publicará en unos cincuenta países, según su editor francés Calmann – Levy.

El diario de la adolescente judía de origen alemán refugiada en Ámsterdam, muerta de tifus en febrero de 1945, en el campo Bergen – Belsen, se editó en 1947 y es desde entonces uno de los textos más vendidos en el mundo.

La novela gráfica se dará a conocer en su versión en francés el 4 de octubre, es el trabajo del escritor israelí Ari Folman y David Polonsky también diseñador israelí que trabajó en la película de animación “Vals con Bashir” (César a la mejor película extranjera en 2009).

“Cuando el Fondo Ana Frank sugirió que adaptáramos el Diario a los cómics, nuestra respuesta fue: ¡obviamente no!”, aseguraron los dos autores en una reciente reunión en París organizada por Calmann-Levy.

Ari Folman agregó: “Me temo que llegaremos a un momento en que no habrá más sobrevivientes del Holocausto en el planeta, ni más testigos vivos para contar esta historia”.

Es necesario llegar a una nueva generación de lectores, dijo.

La novela gráfica no incluye la totalidad del Diario – “nos hubiera forzado a concebir más de 3,500 páginas”, explicó Ari Folman, pero encontramos varias cartas de Ana Frank enviadas a su imaginaria amiga Kitty.

Otros pasajes que sólo son unas pocas líneas en el Diario se extendieron, como el bastante gracioso de la maestría del Sr. Van Daan para hacer salchichas…

“Tratamos de preservar el sentido de humor penetrante de Anne, su sarcasmo y su obsesión por la comida”, dijo Folman.

Los períodos de depresión y desesperación por los que atraviesa a la niña, se tratan en forma de escenas fantásticas u oníricas.

En general, la novela gráfica de 160 páginas sigue siendo extremadamente fiel al texto original.

Traducido del francés al español por: Lucía Aragón

De Oriente a Occidente – Programa 8

 

En esta edición del programa “De Oriente a Occidente” escucharemos musica de diferentes países de Asia. Aprenderemos sobre la música e instrumentos tradicionales de China, Taiwán, Tailandia, Vietnam, India, etc. Dele play al enlace y prepárese a escuchar una nueva edición de su programa favorito “De Oriente a Occidente”.

http://radiofenix.org/index.php/2017/03/10/de-oriente-a-occidente-programa-8/#.WMLxa_krL4Z

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